cdmx

Primera vez que escribo.

En esta ocasión me toco cubrir gran parte de la cartelera llamada “Cervantes off”, ofrecida por el Festival Internacional Cervantino, lo primero que pensé fue: “ un fin de semana lleno de teatro ¡Qué hermoso!” Por fin podría ver las adaptaciones de las obras de Cervantes, y lo mejor de todo, sin salir del DF (o CDMX, como se llama ahora). Este programa se presentó del 7 al 9 de octubre en el Centro Nacional de las Artes.

Es preciso comentarles que cuando voy al teatro normalmente disfruto las puestas en escena, creo que carezco de ese ojo crítico de mis colegas y generalmente cada función a la que asisto me deja encantado o quizás refleje mi actitud ante la vida, siempre busco las cosas buenas de todo.

Llegué a presenciar “La Casa de los celos, o quién la tiene más grande (la casa)» dirigida por Ana Francis Mor,  un montaje que con buena producción audiovisual, ingeniosa vestimenta y carismáticos personajes nos hizo reír bastante. Grata fue mi sorpresa al ver que los foros se llenaban casi en su totalidad, de gente de todas las edades, abuelos, padres de familia que llevaban a sus hijos para inculcarles el gusto por el teatro, parejas que buscaban una actividad diferente y por supuesto, gente apasionada por este arte tan efímero.

Al día siguiente la función era a medio día, con un calor intenso que no detuvo a los asistentes a presenciar “El vizcaino fingido”, obra de Ismael Hernández-Medina, adaptación del entremés del mismo título, que fue montada al en la plaza de la Danza; un espacio al aire libre pero afortunadamente techado. Lo mismo que el dia anterior:el espacio estaba lleno. Me llenó de alegría verlo porque siendo realista, fuera de las producciones más comerciales y publicitadas difícilmente veo llenos totales y además, se demuestra que el Festival no es solo un pretexto para que los jóvenes (y los no tan jóvenes) vayan a enfiestarse a Guanajuato.

Un poco más tarde tocó el turno de «Una  comedia entretenida», codirección de Miguel Estrada y Mauricio Durán, versión libre de «La Entretenida» y no me decepcionó. Bromas ingeniosas y actores talentosos que a su vez tocaban algún instrumento musical para acompañar la puesta en escena. Al terminar no sabia que hacer con ese tiempo libre entre obras; así que me puse a revisar el programa y a caminar por el CENART; y vi que justo estaba Urbaphonix, cinco músicos que crean melodías con objetos de su entorno, maravillando asi a los espectadores. Era un espectáculo ver como la gente los seguía por todo el lugar cual caravana para seguir viendo con qué más podían hacer música.Ya en la noche comenzó “De picaros, truhanes y actores” de Tito Vasconcelos, obra quizás mas enfocada al publico adulto por su mensaje y su vocabulario a veces subido de tono, con chistes que si bien no todos comprendíamos no dejaron de entretener al publico. Así concluía mi día.

A la mañana siguiente, mi niño interior (al cual siempre escucho y no dejo de interactuar con él se  maravilló con “Said el monstruo»dirigida por Gemma Quiroz, inspirada en la intolerancia ideológica manifiesta en «La Gran Sultana», puesta que con un bonito mensaje, canciones estupendas y una producción excelente logró captar la atención de los muchos niños que asistieron a la plaza de la Danza. Logré ver como en tres días la gente no dejó de asistir y algunos, como yo, entraban a dos o tres funciones en ese fin de semana. Yo quedé encantado, como ya he dicho, de todas las actividades ofrecidas… no me quiero imaginar la cantidad de cosas por ver en Guanajuato, no me aguanto las ganas de ya estar allá.

Ningún teatro debería cerrar. En un país lleno de cinismo siempre será indispensable un lugar que sensibilice; en un país lleno de manipulación mediática siempre será necesario un lugar donde se hable de lo que no se habla, que se mire desde donde no se mira. Un teatro es tantas cosas y sirve para tanto pero no puede ponerse en términos capitalistas; la contribución de un teatro está dirigido al espíritu de la sociedad. Mucha gente no ha ido al teatro porque hacen falta teatros. Mucha gente que no ha vuelto al teatro es porque tal vez vio algo que consideró desagradable, pero en el teatro caben todos los teatros -es democrático- la idea de lo «bueno» y «malo» es diferente a como nos tienen acostumbrados los medios masivos, el teatro no sólo busca ser un entretenimiento efectivo; hay política desde el discurso o desde lo estético, hay ética, hay poesía, hay tanto que no cabe en un etcétera y además en muchos casos busca experiencias desalientes, por eso a veces puede ser incómodo. El teatro no es la tele, el cine ni el internet. Parece una obviedad pero esto es fundamental para entender aquello que propone.

Todos los que amamos ir al teatro es porque alguna vez tuvimos una experiencia extraordinaria en uno de ellos. Aquel que haya pasado un mal momento en el teatro le recomiendo que intente otra vez, seguro un día vivirá lo que no podría encontrar en ningún otro lugar y desde ese momento el teatro se volverá una necesidad en él. Y es difícil dar razones lógicas porque el teatro nos conecta con lo originario, con el cuerpo, con lo instintivo, con lo ritual. En ese sentido se parece al amor -símil que puede sonar gastado pero que es sumamente preciso- parecería que no provee ningún beneficio en términos de productividad o utilidad y sin embargo sería absurdo buscar que no hubiera más amor en el mundo porque no representa ganancias dentro de una mirada capitalista.

El teatro es revolucionario y más en este momento. No hago discriminación en el tipo de teatro, todo -al final- sigue reencontrándonos con los otros; fundamental en esta era cada vez más solitaria, cada vez más incomunicada. Ningún teatro debería cerrar y nadie debería alegrarse por ello ni ser indiferente. Los problemas por los que pasa el Foro Shakespeare, la vulnerabilidad en la que se encuentra, es en la que están todos los teatros independientes en México. Cualquier teatro independiente podría desaparecer de un momento a otro porque no hay ninguna legislación que los proteja. Si la comunidad teatral -espectadores, productores, creadores- no empezamos desde hoy a ver por nuestros teatros, van a desaparecer. La lucha de uno es la lucha de todos. Este caso particular debería servir para lo general. Los foros tienen que unirse con creadores, espectadores y aquellos que se quieran sumar. Se necesita pensar en corto plazo y a largo plazo, se necesitan leyes que protejan y regulen los espacios independientes, garantizando su supervivencia y permitiendo la posibilidad de que cada día hayan más. ¿Se puede lograr? Claro, el mismo teatro es un ejemplo de cómo la realidad puede ser modificada, de cómo un grupo de gente, mediante la unión, hacen posible lo imposible.

Ya me lo había preguntado antes y me lo vuelvo a preguntar ahora, porque hay preguntas en las que siempre hay que insistir. ¿Cuándo se va a unir toda la comunidad teatral para realizar acciones en conjunto y mejorar las condiciones de nuestros teatros independientes? En Aplaudir de Pie estamos más que dispuestos.

Hay en el quehacer teatral una práctica que reporta encomiables beneficios y que afortunadamente se encuentra cada vez más extendida. Se trata del desmontaje de una obra tras función, es decir, cuando los responsables del montaje explican a los espectadores el proceso de creación y montaje de eso que acaban de ver; una especie de conversatorio y convivio en el que la obra se “abre” a los cuestionamientos del público con el fin de que puedan comprenderla y acaso disfrutarla de un modo distinto.

Siendo el teatro un fenómeno dependiente de cuerpos poéticos, actores y actrices que encarnan ideas y emociones, nos atrevemos a afirmar que no existe otra manifestación artística más personal e íntima que él, en tanto que se trata del encuentro de un ser humano con otro, de tal suerte que esta característica fundamental puede aprovecharse para la vinculación social, el reconocimiento y la hermandad, más allá de la puesta en escena.

La presencia de un ser humano sobre un escenario es infinitamente poderosa y al combinarse con la voluntad de compartir con el otro se vuelve uno de los actos más generosos que puedan experimentarse desde cualquier sitio que se ocupe en el teatro. Además es el medio más económico para tener un gesto de amigabilidad con ese otro que mira, una especie de agradecimiento a su tiempo, paciencia, atención y voluntad de estar ahí, de haber pagado o conseguido el boleto, de haber llegado hasta allí desde cualquier otro sitio. Así como para darle la bienvenida de la mejor manera a un espectador novato que se acerca apenas al teatro para descubrir un mundo nuevo. Para un desmontaje solo hace falta disposición de ánimo. Generosidad.

Basta con que quienes hacen posible la puesta, especialmente director(es) y actor(es), se desentiendan de toda expresión ególatra y cualquier dejo de glamour con los que acompañan las alfombras rojas y las conferencias de prensa[1], y quieran compartirse a través del recuento de sus experiencias en el teatro. No tienen más que charlar sinceramente con esos amigos de ocasión que son los espectadores, nobles y curiosos en su mayoría. Receptivos y admiradores de lo que puede provocar en ellos una historia en el escenario.

Para quienes hacen teatro (directores, actores, incluso escenógrafos, iluminadores y vestuaristas) hablar del proceso de creación y montaje resulta sumamente esclarecedor. Muchas veces el teatrista (o una compañía teatral) no es consciente de lo que ha hecho, sino hasta que lo dice. La docencia, depende tanto como la creación del ánimo de compartir, pero al depender de distintos estímulos, docencia y creación se enriquecen mutuamente.

El desmontaje obliga a los responsables del mismo a responder los cuestionamientos del público, a ordenar las ideas para expresarlas mejor. A saber con exactitud qué pasos se siguieron, qué elementos fueron elegidos y cuáles descartados, qué técnicas se utilizaron, cuál era el discurso o la poética que intentaron representar, que personas y que cosas los inspiraron, etcétera. Algunas veces el artista desconoce su propio método. De practicarse más a menudo, el desmontaje facilitaría el análisis de los propios creadores, la toma de consciencia de su propio quehacer y la documentación de sus procesos para reparar en los elementos esenciales de su trabajo. Conocerse a sí mismos para intentar conocer al otro.

En cuanto corresponde a los espectadores, esta práctica facilita la comprensión de la naturaleza única e irrepetible del fenómeno teatral. Al comprender mejor de qué se trata, gracias a la explicación de los propios creadores, podría darse cuenta de la excepcionalidad que representa el teatro y dejaría de compararlo con el cine (comparación absurda que arece nuca agotarse). Aprendiendo del teatro, se familiariza con él y se relaciona de una mejor manera. Ya no sería más un extraño, entonces quizá empezaría a simpatizarle un poco, incluso podría quererlo, podría volverse parte de sus prácticas de entretenimiento cotidianas. Por tanto, esta práctica es recomendable para la formación de públicos, puesto que aumenta la probabilidad de que  alguien que tenga esta experiencia es su juventud se vuelva más tarde un espectador consciente y constante.

Para el crítico el desmontaje es un enorme beneficio a su labor de investigación, puesto que el desciframiento de símbolos que componen la poética de un creador ya no depende exclusivamente de su interpretación o de lo que “él cree” que dio lugar a un montaje, incluso cuando se apoya en entrevistas con los creadores y en la bibliografía que soporte sus hipótesis, no hay como el cara a cara del creador y el público, para dar cuenta del proceso que va de la idea de la obra (hacerla/montarla), hasta la selección de personajes, vestuario, escenografía, música, teatro, las horas de ensayo necesarias para las funciones finales, el error, el perfeccionamiento, las técnicas de actuación, hasta la selección del teatro, la difusión de la obra y muchas otras cuestiones que a simple vista se escapan y son, sin lugar a dudas de suma importancia al momento de realizar un análisis. El desmontaje se presta a las declaraciones explicitas –comprobables en escena- y evita los malentendidos.

El crítico debe saber exactamente de lo que habla y no hay nada como que el mismo creador en complicidad con el público se lo dejen bien claro. Sin olvidar por supuesto que muchas veces algo que ha leído el crítico de la obra lo desconoce el propio artista. La relación entre crítico y artista es sumamente compleja, se sostiene en el respeto por la especificidad de su tarea, en la curiosidad y en la complicidad. El desmontaje facilita el vínculo, si no es que lo resuelve del todo.

No es nada más que hablar con el corazón y con las ideas claras, aprovechar que el público ya está ahí cautivo para hablar a profundidad del teatro, no esperar que asista algún otro día a cualquier evento académico alejado del convivio, como puede ser una conferencia, una presentación de un libro, etcétera, porque la gente común, ocupada en muchas otras cosas importantes para el día a día no lo hará. Muchas veces el círculo académico es sumamente reducido y poco generoso con las visitas.

¿Estamos realmente interesados en acercar a la gente al teatro? Propongamos cada vez más desmontajes. Invitémosla a nuestra fiesta de la forma más personal posible. No esperemos que la publicidad haga todo por nosotros, ni que una estrategia de descuentos de una obra a otra traiga gente nueva. Abramos los procesos. Descubrámoslo frente al público, dejemos atrás la mezquina idea de la “revelación de secretos” y la necesidad de resguardos. No hay nada que no pueda saberse. No hay nada que deba esconderse.  El imitador estará allí siempre, pero una vez que dejemos de preocuparnos por originalidades y plagios y practiquemos más la apertura de procesos se fortalecerá y crecerá la comunidad teatral. Es casi una promesa.

[1] Recursos especialmente empleados en el teatro comercial; prácticas que no llegan a acercarse realmente con el público por usar a los medios de comunicación masivos como intermediarios. Aunque hayan sido pensadas como estrategias precisamente para “llegar” a la gente.

Ha pasado un año desde que decidimos ampliar por nuestra cuenta las fronteras de la crítica de teatro en México hasta ahora prácticamente endogámica, reducida al boca en boca de la gente de teatro hacia su gremio, a minúsculas secciones en los diarios de circulación nacional, apenas reseñas de una cuantas líneas o columnas marginales que más que estudiar el fenómeno teatral, o hablar del maravilloso e infinito campo de posibilidades que representa este, se conformaban con el juicio y la recomendación superficial.

La crítica de teatro entonces parecía tener únicamente dos posibilidades: o confinarse al olvido o a un reducidísimo público especializado en el ámbito académico, o bien, seguir las fórmulas de las revistas de espectáculos, simplificando los contenidos para hacerlos digeribles y graciosos, llamando la atención mediante la forma, colocar al espectáculo por encima del rito.

Una noche regresábamos a casa conmovidos como nunca antes tras haber aplaudido de pie una función de “Terrenal” de Mauricio Kartún en el Teatro del Pueblo. Además, habíamos asumido desde hacía tiempo nuestra admiración por el trabajo y el contagio del mismo tras las cátedras y lecturas de Jorge Dubatti. Queríamos prolongar indefinidamente esas emociones. Queríamos cristalizarlas.

Bajo un golpe de inspiración, tras la búsqueda de un espacio donde ejercitar nuestro pensamiento y opinión argumental, presas de una apasionada vocación como investigadores y hacedores, decidimos abrir este espacio off para hablar de nuestra pasión más acusada.

Quisimos documentar nuestros estudios por el valor incalculable que atribuimos a cualquier archivo, quisimos formar una familia vinculada por el amor al teatro en Buenos Aires (donde además admiramos su Modelo de práctica crítica y quehacer Teatral) y en la Ciudad de México; nuestro alcance geográfico ha aumentado así como el equipo creativo y colaboradores en Aplaudir de pie.

Quisimos romper la endogamia y la superficialidad. Creemos que vamos por buen camino. Vale la pena detenerse a agradecer con el corazón a quienes hacen esta página posible y a quienes se ha tomado el tiempo de leernos y compartirnos. Estamos más que contentos.