La semana pasada finalizó el Festival Internacional de Buenos Aires en su décima edición. La oferta fue tan amplia que quisiéramos haber podido clonarnos para asistir a todos los espectáculos. Hablaremos de algunas propuestas internacionales que tuvimos la oportunidad de presenciar. Si bien no todas resultaron contundentes, destacaron por el hecho de mostrarnos otras posibilidades de teatralidad, lo cual siempre es inestimable.
GÓLGOTA PICNIC
Gólgota Picnic es una obra de Rodrigo García que ha causado mucho revuelo en varias partes del mundo pues trata de una forma descarnada y con una mirada un tanto cínica temas como la religión y la política. Es interesante haberla visto en el festival y comprobar que los contextos pueden hacer de una obra un acontecimiento crítico que ponga en riesgo la integridad física de los intérpretes o un hecho totalmente inofensivo, como fue lo que pasó en Buenos Aires.
En entrevistas, Rodrigo García, director y dramaturgo del montaje, ha mencionado que el rechazo del público en otros lados había sido tal que muchos espectadores salían de la función, entre otros incidentes que no vienen al caso mencionar. En el día que tuve la oportunidad de asistir a Gólgota Picnic, salió poca gente y la obra se recibió como un hecho extravagante pero inofensivo. Nadie insultó, nadie hizo nada.
Esto no significa que la obra estuvo mal. Al contrario, artísticamente resultó un espectáculo interesante pero lamentablemente contradictorio en este contexto, debido a que se trata de una puesta en escena que critica el consumo y justo se mostró en un contexto en el que la misma quedó tan solo como eso, como un producto de alta cultura. Sin duda la obra contiene muchas cosas para reflexionar pero en este caso nos pareció pertinente señalar cómo las instituciones doman a la fiera del arte, quitándole garras y colmillos, dejando una mansa criatura que miramos con displicencia.
Autor y director: Rodrigo García / Compañía: hTh – CDN Montpelier/ Elenco: Gonzalo Cunill, Núria Lloansi, Juan Loriente, Juan Navarro, Jean-Benoit Ugeux / Música: Joseph Haydn / Pianista: Marino Formenti
Esta obra se presentó: Viernes 2/10, 19h / Sábado 3/10, 19h / Domingo 4/10, 18h
Teatro San Martín, Sala Casacubierta
GANESHA VERSUS EL TERCER REICH
La anécdota de esta obra es bastante disparatada y divertida, parece el argumento de algún escritor de comics. Ganesha, la deidad hindú con cabeza de elefante, es enviado por su padre en una misión para recuperar el símbolo que les fue robado por los nazis, la suástica. Esto puede estar lleno de aparentes incongruencias y desinformación pero desde que lees el programa de mano te advierten que la obra no tiene compromiso de ser estrictamente correcta con los datos históricos o religiosos pues se trata de una ficción.
Ganesha versus el tercer Reich se cuenta en dos líneas paralelas de acción. Una es la travesía de Ganesha por recuperar su símbolo y la otra es una compañía de teatro que está poniendo en escena la obra que estamos viendo. Estás dos líneas se van intercalando de tal suerte que ambas historias adquieren su relevancia y cada una despierta su interés. Además ambas líneas de acción dialogan entre sí permitiéndonos distintos niveles de lectura: el evidente, el metafórico y el crítico.
En cuanto a las líneas evidentes vemos dos travesías. La de Ganesha por recuperar el símbolo y la de la compañía de teatro por enfrentarse a sus diferencias y conflictos para lograr llevar a buen fin el montaje que preparan. Por su parte, la travesía de Ganesha avanza sin muchas dificultades ya que al tratarse de un dios es invulnerable. Sin duda es muy interesante el momento en que Ganesha y Hitler se encuentran frente a frente para librar la batalla final. En cuanto al recorrido de la compañía todo se va dificultando hasta llegar a un momento de total desencuentro entre los integrantes.
En lo referente al nivel metafórico y crítico no podemos evitar mencionar que los agentes de la SS o el mismo Hitler son interpretados por los actores con capacidades diferentes que integran la compañía, lo cual deviene en símbolo opinante. Lo mismo sucede en el momento en que el actor que interpreta el rol de director nos habla, con la convención teatral de que no estamos ahí, y nos dice que somos unos morbosos si es que tuviéramos interés de asistir a ver una compañía que incluye actores con capacidades diferentes. Momentos así de claros y otros más sutiles pueden ser observados a lo largo de la obra. Lo cual hace, pese a que haya un tono cómico predominante, que caigamos en cuenta de que cosas más trascendentes y menos obvias están puestas en juego y a discusión.
De todas las metáforas que están en la puesta sin duda las más contundentes vienen al final. Una es el momento en el que Hitler se quita el símbolo de la suástica de su brazo y debajo hay otro, entrega uno a Ganesha pero advirtiéndole que ese símbolo siempre le pertenecerá. La otra es la imagen final de la obra en la que la humanidad queda reflejada en su soledad y donde una lectura posible es que el ser humano es simplemente una persona con capacidades diferentes llamando a la cabeza de un dios sin cuerpo que no responde. Todas las atrocidades, todas las diferencias y supuestas inclusiones –más políticamente correctas en muchos casos-, no son culpa ni de dios ni de los “villanos” de la historia, sino de, ¿Quiénes? Cuestiona la obra.
Coautores: Mark Deans, Marcia Ferguson, Bruce Gladwin, Nicki Holland, Simon Laherty, Sarah Mainwarning, Scott Price, Kate Sulan, Brian Tilley y David Woods / Director: Bruce Gladwin / Elenco: Mark Deans, Simon Laherty, Scott Price, Brian Tilley y David Woods
Esta obra se presentó: Viernes 25/9, 21h / Sábado 26/9, 20:30h / Domingo 27/9, 16h
Teatro Coliseo
OPENING NIGHT
Inspirada en la película homónima de John Cassavetes, este montaje muestra las peripecias que vive una compañía teatral para llevar a escena la obra The second wife. Los problemas de la actriz principal para afrontar el personaje que le toca interpretar pues se parece demasiado a ella misma –más de lo que se atrevería a aceptar-; su ex esposo, un actor que se siente frustrado por hacer un papel menor; el director que no entiende la obra; la esposa del director que casi no tiene contacto con su esposo porque este sólo piensa en dirigir; la dramaturga que no soporta ver que su texto no está siendo respetado; todo estos dramas individuales y más irán colisionando entre sí hasta llegar a momentos insoportables para los personajes pero en muchos casos divertidos para el espectador.
Opening Night resulta una comedia bastante sutil, actuada con un gran compromiso emocional por parte de los actores, en donde llevan al extremo sus pasiones y a partir de ese sufrimiento generan la comicidad. Se agradece mucho cómo abordó la compañía el humor pues se corrió un poco de un estilo de actuación en la comedia que ha empezado a popularizarse en donde los mecanismos humorísticos son tan evidentes que cada gag pareciera tener implícito un: “ríete, es un chiste”.
El trabajo sobre la comicidad de este montaje nos recuerda que la risa no necesariamente es un fin en sí mismo sino que puede ser un camino hacia algo más. En este caso el humor es el vehículo que nos conduce a una reflexión sobre la complejidad en las relaciones interpersonales y sobre distintos temores: el miedo al fracaso, a la vejez, a la soledad.
Un elemento a resaltar es el uso del video en tiempo real. Mientras la obra transcurre vemos a través de una pantalla otras cosas en las que se quiere hacer énfasis. Tenemos la posibilidad de ver la totalidad y además algunos detalles gracias al close up. Es notable cómo el estilo de actuación luce en el escenario y en la pantalla, cómo empataron ambos lenguajes sin que uno sobresalga o luzca menos.
A pesar de hacerse un poco larga, ya que dura poco más de dos horas que sí se sienten, sin duda fue de lo mejor de las internacionales.
Autor: John Cassavetes / Compañía: Toneelgroep Ámsterdam / Director: Ivo Van Hove / Elenco: Elsie de Brauw, Jacob Derwig, Hélène Devos, Lien de Graeve, Hans Kesting, Chris Nietvelt, Alwin Pulinckx, Oscar van Rompay, Bart Slegers, Eelco Smits, Lien Wildemeersch
Esta obra se presentó: Viernes 2/10, 20h / Sábado 3/10, 20h / Domingo 4/10, 15h
Teatro San Martín, Sala Martín Coronado
WE WOMEN
Esta propuesta multidisciplinaria dirigida por la coreógrafa y bailarina Sol Picó, conjuga diversos lenguajes artísticos, danza, teatro, música, y reúne mujeres de distintas nacionalidades para indagar y cuestionar sobre la imagen de la mujer en múltiples culturas.
La obra como tal no tiene una historia en el sentido tradicional, con planteamiento, nudo y desenlace, sino que se desarrolla mediante una serie de cuadros escénicos en donde a través de metáforas queda en evidencia cómo la mujer ha sido y sigue siendo relegada y discriminada.
Resulta impactante descubrir las similitudes que se encuentran en cuanto el trato hacia las mujeres en culturas tan lejanas y diferentes entre sí, y resulta lamentable reconocer que situaciones que podrían sonar arcaicas siguen teniendo vigencia.
Con We Women queda en evidencia todo lo que aún nos hace falta revisar como sociedad, pues si bien es cierto que conforme ha pasado el tiempo se ha dignificado la figura de la mujer, también es cierto que aún hay muchos temas pendientes relacionados con sus derechos, la equidad de género y la violencia ejercida hacia ella desde las distintas esferas sociales.
Sin duda es un montaje pertinente en cuanto a lo social. Y artísticamente el resultado es afortunado en muchos de sus elementos, sobre todo en lo que respecta a la danza, a la música y a la transmisión de su tesis. El único riesgo que corre esta puesta es que por momentos es muy ilustrativa y parece más una conferencia que una obra de arte, pues hay muchos momentos en los que los significados de las metáforas se explicitan demasiado. Aunque tal vez se ha elegido enunciar las ideas francamente para que no quede ninguna duda. De igual modo no termina de ser contundente porque a ratos es pedagógico y un poco moralizante. No obstante eso es lo complejo del arte claramente social, conjugar lo poético con lo ideológico sin que uno anule lo otro. Sea como sea, en esa búsqueda, obras como We Women terminan haciendo visible algo que necesita ser contemplado.
Dirección: Sol Picó / Dramaturgia: Roberto Fratini / Compañía: Sol Picó cía. de danza / Composición e interpretación coreográfica: Julie Dosssavi, Minako Seki, Shantala Shivalingappa, Sol Picó / Composición e interpretación musical: Adele Madau, Lina León, Marta Robles
Esta obra se presentó: Viernes 18/9, 20:30h / Sábado 19/9, 20:30h / Domingo 20/9, 17h
Teatro 25 de Mayo
CASTIGO
Un suceso de la infancia del escritor sueco August Strindberg, relatado en su novela autobiográfica El hijo de la sierva, sirvió como punto de partida para que el director y dramaturgo Cristián Plana creará la puesta en escena Castigo.
Con el relato de Strindberg de apenas unas ocho páginas, Plana da forma a un espectáculo de una hora de duración. La anécdota es el severo castigo que recibió Strindberg por parte de su padre al ser culpado de algo que no cometió. Hecho que marcaría fuertemente al escritor sueco según nos compartió Cristián en la plática post función.
Como propuesta plástica resulta visualmente atractiva la obra aunque dramáticamente la acción está diluida, dando como resultado una pieza muy contemplativa, a momentos estática. Esto es su mayor virtud si amas sentir la dilatación del tiempo como en las tomas largas del cine de Tarkovsky, o su mayor falla si necesitas que una obra tenga acción y progresión dramática.
Al final Cristián Plana nos habló de su proceso creativo y sus ideas de puesta en escena, clarificando así lo enigmático de su montaje. Esto enriqueció bastante la percepción de lo que contemplamos, permitiéndonos resignificar la experiencia y disfrutar mejor de las sutilezas. Sólo lamenté que todas las hermosas palabras que nos compartió en la charla no quedaran del todo reflejadas en su propuesta. Pero así sucede con el arte conceptual, se explica en términos intelectuales y no necesariamente sensibles.
Dramaturgia y dirección: Cristián Plana, a partir de un texto de August Strindberg / Elenco: Rodrigo Soto, Alexandra von Hummel, Daniela Ropert, Diego Salvo
Esta obra se presentó: Jueves 24/9, 20:30h / Viernes 25/9, 21:30h / Sábado 26/9, 20h
Teatro Regio
