Reseñas

El Festival Internacional de Cabaret superó todas mis expectativas (que de por sí, eran muy altas). Pensar en dedicar 18 días a uno de los géneros más atractivos del quehacer escénico era un reto y una oportunidad bastante grande que los organizadores supieron aprovechar presentando a los exponentes cabareteros más relevantes de México (Tito Vasconcelos, Las Reinas Chulas, Regina Orozco, La Mafia Cabaret, Clown Femenino, Sexto Sentido, César Enríquez, Cabaret Misterio, La Teatrera Solitaria, Parafernalia Teatro, Pedro Kóminik, DC Arte, Idiotas Teatro, Vuelta de Tuerca Producciones) España (Las XL),  Argentina ( María Rosa Frega) y Colombia (Roberto Camargo). Lo mejor es que a pesar de haber visto tanto cabaret no estoy satisfecha, y es que algo pasa con el cabaret que una vez que te atrapa como espectador o como intérprete no está dispuesto a soltarte. Sus poderes hipnóticos y su sustancia adictiva quizás se deban a los discursos que lo intervienen, lo nutren y conforman. Ahora sabemos, gracias a las enseñanzas de Gastón Alzate que los cimientos teóricos del cabaret lo convierten en una de las manifestaciones más potentes del teatro.

Foto: Darío Castro

El carácter democrático del cabaret, que idealmente rechazaría cualquier separación elitista entre el público y los mismos artistas y el rompimiento con las tradiciones que lo obligaban a seguir o recoger ciertos parámetros de las “enseñanzas” de las corrientes artísticas anteriores (incluyendo las vanguardias) ajenas al cabaret mismo –que sin embargo si atiende a una genealogía interna, casi como si se tratase de talleres gremiales medievales, en los que el alumno aprendía directamente de un maestro-, lo obligan a buscar comprender cómo funciona la cultura y la ideología a las que los cabareteros harán referencia en sus espectáculos, esto lo convierte en un género empático en el que el público puede ver sus preocupaciones, opiniones y forma de ser reflejadas, por lo que prontamente puede sentirse parte y no hay nada como la sensación de pertenencia. 

Foto: Darío Castro

En sus inicios, el cabaret fue considerado como “género menor” y marginado a sitios clandestinos o alejados de los circuitos comerciales e institucionales, esto lo hizo florecer dentro de los establecimientos propios de la vida nocturna “licenciosa” y lo dotó de características opuestas a las que contaban los espectáculos conservadores. Por ello el cabaret se permite guardar una relación estrecha con los instintos del hombre y burlarse de “todo lo establecido”: cuestionar los estereotipos de género, caricaturizar los tipos sociales, mezclar el refinamiento de la alta cultura con lo  “más bajo” de la cultura popular, recodificando el orden social. El cabaret no piensa en lo políticamente correcto, por eso es más franco y menos solemne e hipócrita, más libre y expresivo. Por eso nos vuelve locos: porque nos invita a perder el control.

Enloquecido, enloquecedor, iconoclasta, burlón, el cabaret está íntimamente relacionado con el auge del teatro independiente latinoamericano y europeo, aunque en algunos casos lo supera porque tuvo la paciencia de formar a sus espectadores durante largo tiempo, dando lugar a un público nada serio dispuesto a interactuar apasionadamente con la escena. En el cabaret todos los inconformes son bienvenidos: las feministas, los intelectuales, los heterosexuales consumados, los gays, los tavestis, todos aquellos que no le teman a la risa y a la pérdida de buenas costumbres, todos aquellos disfruten del bullicio y del escándalo, de decir  y escuchar verdades placenteras y no tanto.  El cabaret es un lugar donde todos van a confesarse. Un buffet de minorías.

Los cabareteros (público y artistas) conforman una comunidad alternativa deseosa de cuestionar las ficciones con las cuales comprendemos las realidades sociales (la ideología y el sistema) y personales (la identidad), así como las imposiciones. Por eso el espectáculo no depende del texto tanto como lo hace en el teatro convencional, por eso más bien responde a la improvisación del momento y a las imágenes (más que a las palabras) que pueda crear durante función. Estas imágenes con frecuencia corresponden a la estética kitsch, delatando su ánimo transgresor y voluptuoso. Es su atrevimiento lo que fascina, su vulgaridad explícita, sus excesos, su naturaleza dionisíaca y empeño por la disidencia lo que explica su empoderamiento. El cabaret es una manifestación micropolítica de la resistencia y la subversión, una amalgama de la cultura pop que dialoga con la realidad a partir de la oposición a la autoridad. Es por eso que los rebeldes aplaudimos de pie. 

Foto: Darío Castro

Todo ello presente y visible en este Festival que tantas delicias que me ha regalado, que me ha permitido acercarme tanto a él que apenas empiezo a comprenderlo y a degustar  mejor lo que ya me gustaba muchísimo. Ahora sé por qué me gusta. Ahora veo más claramente las cualidades de este esfuerzo por reunir a los intérpretes y compañías que no solo demuestran una vez más las infinitas posibilidades teatrales autogestivas, sino la profunda incidencia en nuestra cultura posmoderna y nostálgica. Estas son algunas razones por las cuales celebro que se haya llevado a cabo este Festival y por las que espero que siga ocurriendo año con año y que cada vez más gente se sume a la fiesta, que vale la pena y es puro placer.

Hay un aspecto en que coinciden la mayoría de las reflexiones en torno a la felicidad y es que esta tiene que ver con saber disfrutar cada momento; este tipo de pensamientos la conciben como un camino y no como un fin, hacen una invitación a valorar el presente. En ese sentido podríamos decir que el monólogo Puras cosas maravillosas, escrito por Duncan Macmillan y Jonny Donahoe, dirigido por Sebastián Sánchez Amunátegui y protagonizado por Pablo Perroni es un recordatorio de que la dicha siempre está a nuestro alcance a través de las cosas aparentemente más pequeñas, no por ello insignificantes.

La mamá del protagonista de la obra está en el hospital a causa de una depresión. Él es solo un niño de siete años cuando ocurre esto y se le ocurre una idea para salvarla: hacer una lista de las cosas maravillosas que conoce para tratar de devolverle las ganas de vivir. El helado  encabeza la lista. Esto podría parecer muy ingenuo pero conforme avanza la obra nos recuerda el valor de las pequeñas cosas que en algún momento fueron extraordinarias pero que después olvidamos. ¿Cuándo perdemos el asombro por la vida?

La  obra nos cuenta los incansables esfuerzos de este hombre en las distintas etapas de su existencia haciendo todo lo posible por salvar a su madre, sin saber que quizá también de algún modo se está salvando a sí mismo. ¿Podemos salvar a los otros? ¿Cómo afecta el sufrimiento de uno de los miembros de la familia a todos los demás? ¿Cómo volver a sonreír a pesar del dolor? Estas y más cuestiones plantea la obra desde un lugar sensible sumamente interesante: el humor y la ternura.

El tono que tiene la puesta en escena es sin duda uno de los más grandes logros del montaje. Puras cosas maravillosas es divertida sin ser frívola, profunda sin ser aburrida, dolorosa sin ser deprimente, tierna sin ser empalagosa, es una experiencia que conduce al espectador por infinidad de intensas emociones. Es una obra que pone de manifiesto que al teatro vamos principalmente a conmocionarnos. Obras así hacen mucha falta. De pensar estamos cansados –aunque la obra también da mucho para pensar-, queremos sentirnos vivos en las butacas de los teatros.

Otro de los grandes aciertos de la obra es la actuación de Pablo Perroni. Es de una honestidad que se agradece. Durante lo que dura la función quedamos convencidos que él es quien realmente vivió todo aquello que nos comparte. La obra resuena en cada una de sus fibras más íntimas y por lo tanto en las nuestras como público. Por un momento nos transporta a otro mundo y no nos suelta sino hasta el final. Perroni genera además un convivio único porque interactúa con los espectadores creando momentos de verdadera magia teatral.

La propuesta de dirección también es sobresaliente. Sebastián Sánchez Amunátegui nos demuestra una maestría al dejar solo lo esencial en el montaje, permitiendo que la fascinante dramaturgia de Macmillan y Donahoe y la grandiosa actuación de Perroni queden en primer plano para ser disfrutadas al máximo y que  la entrañable historia se exprese en su forma más potente.

Realmente es un verdadero placer encontrar obras en cartelera que estén tan bien logradas. Sin duda esta puesta en escena está en la lista de cosas maravillosas de muchos espectadores. Incluyéndome.

Del teatro que aspira a ser presente irrepetible hay dos tipos que pueden reconocerse fácilmente dentro de las infinitas posibilidades de lo teatral. Uno es el que es irrepetible por una técnica actoral en busca siempre de la frescura y la sorpresa, otro es el que mediante la participación directa de los espectadores cada función es diferente. La obra Nada siempre, todo nunca del Colectivo Macramé es un ejemplo de esto último.

Digo obra al referirme a esta experiencia por nombrarla de algún modo, pero más que una puesta en escena, me atrevería a llamarla una convivencia. Más que un montaje parece una reunión de amigos en donde se jugara algún juego de mesa y conforme transcurre la velada se llegara, como pasa con las amistades profundas, a compartir nuestro universo íntimo: sueños, miedos, alegrías. En esto radica la singularidad y fuerza de esta propuesta.

«¡Oh no, una obra interactiva!», seguro exclamó alguien que esté leyendo esto. No pienso dar detalles específicos de lo que sucede pero lo que puedo decir es que es interactiva de una forma gentil con el espectador. En lo personal me incomoda que me hagan participar de una función pero acá mi incomodidad desapareció conforme avanzó la noche. A los que crean que una experiencia de estas características es insoportable, les recomiendo que si algún día piensan animarse a asistir a algo así, lo hagan con esto. En una de esas se dan la posibilidad de jugar y disfrutar. Y lo mejor es que, de asistir, nadie va a obligarlos a participar si al final no se deciden. 

No sabía lo que iba a ver esa noche que vi Nada siempre, todo nunca, y al principio de la función no sabía por qué aún seguía ahí, pero en mi caso y sin duda en el de muchos más espectadores resultó una velada inolvidable. Vernos, escucharnos e interactuar fue una forma de volver a darnos cuenta que, aunque seamos desconocidos, no estamos solos en este mundo y que otras maneras de encontrarnos son necesarias. 

COLECTIVO MACRAMÉ AGRADECE AL FONDO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES  EL APOYO PROPORCIONADO PARA LA REALIZACIÓN DE ESTA OBRA.

“Después de la tempestad, viene la calma”, se dice comúnmente con afán tranquilizador a algún sufriente, pero mientras tanto, ¿dónde se supone que uno deba hallar consuelo? ¿En los sueños? ¿En la familia? ¿En los amigos? ¿En el carnaval? ¿Y si todo eso también fue arrastrado por las aguas de la lluvia torrencial, ávida de absorberlo todo, de acabar con todo? ¿A quién debe dirigirse el odio provocado por la destrucción avasalladora acaecida por la naturaleza?… “Litoral (después del agua)” no nos responde ninguna de estas preguntas, nos propone ver como los habitantes de Angüe buscan las mismas respuestas… sin encontrarlas.

Un pequeño y tranquilo pueblo, con poquísimos habitantes, a orillas del Paraná, se ve asediado por lluvias furiosas e incesantes que provocan una inundación, llevándose entre sus corrientes subacuáticas objetos domésticos e instrumentos musicales, pero también anhelos y vidas. Mientras tanto, la vida sigue como puede, modificada por las circunstancias, pero después de esto, nada podrá volver a ser lo mismo; un grupo de amigos adolescentes intentan tomárselo con calma, tomando mates y jugando “basta”; mientras tanto, una madre que no encuentra su hijo, lo busca desesperada hasta debajo de las piedras, perdida en la incertidumbre; la comparsa busca que el carnaval se lleve a cabo, pero los redoblantes y vestuarios seguro ya están flotando muy lejos; las whiskerías y antros siguen secuestrando a quien se detenga en el lugar equivocado, y prostituyendo ilegalmente a chicas a las que se les ha arrebatado la identidad y la decisión; y los políticos y su séquito burocrático, siguen ninguneando y aprovechándose del pueblo, un pueblo sufriendo, con heridas abiertas y sangrantes, despojado de todo, luchando por salir a flote aunque cada vez se hunden más.

“Litoral (después del agua)”, es el proyecto de graduación de los estudiantes de actuación de la Universidad Nacional de las Artes, el cual fue dirigido por Mariela Asensio, con las notas agridulces y la honestidad que caracterizan a sus montajes. Cuenta con dieciocho actores en escena, que nos regalan todo lo que la Universidad les dio conjugado con la poética particular de cada uno. La escenografía, concisa y acertada, nos transporta al muelle de inmediato. Majestuosa la forma de dirigir a tantos actores y la dramaturgia creada sobre la marcha, aplausos para la honesta y bien amada pasión con que Mariela Asensio realiza cada uno de sus montajes.

La historia, muy bien lograda por intensas y encarnadas actuaciones, y por una dirección espectacular, nos sumerge en la desgracia de un pueblo que se hunde sin poder evitarlo, provocando risas tanto desopilantes como de ternura, y lágrimas de dolorosa empatía, e inconsolable impotencia; ojalá estas cosas sólo ocurrieran en la ficción, pero no hay tregua; en tiempos de tanto sufrimiento, esta obra nos recuerda, con un nudo en la garganta, que la realidad supera a la ficción.

“No eres ni la sombra de lo que quisiste ser. Traicionero asunto resultó la vida. Ni la mitad de lo prometido cumplió el pasado”, escribió José Sbarra una vez, pero a mí me resuena para siempre en la cabeza cual mantra, desde que lo escuché en “Los pro y los contra de hacer dedo”; oírlo por primera vez fue como ver el vídeo de “El aro”, lo viste y cagaste, o te mueres (en este caso de desesperanza y tristeza) o lo compartes, y al parecer a la directora Sabina Faccini le pasó lo mismo. Imposible quedarse impasible ante estas palabras.

De una forma sincera, poética y apasionada, Sabina Faccini une fragmentos de la obra “Marc, la sucia rata”, de José Sbarra, en una dramaturgia propia, que narra la historia de dos personajes que, como todos nosotros (aunque probablemente estemos haciendo un esfuerzo sobrehumano por ocultárnoslo), saben que no son ni la sombra de lo quisieron ser; atrapados en la forma que los condena, intentan ser, repletos de pesimismo, pero con ese pequeño dejo de esperanza, que en realidad es el instinto de supervivencia.

Danila Magri interpreta con elegancia a una chica que ha decidido prostituirse en la ruta, haciendo dedo a los camioneros que pasan, por gusto, y sin remordimientos; y Nicolás Moreno da vida, con maestría, a un chico que después de un matrimonio heteronormativo, se ha dado cuenta de que, en realidad, lo que quiere en la vida, es ser mujer. Podría asegurar que sus honestas actuaciones, junto con la verdad aplastante y sin tapujos que propone el texto, le pondrían la piel de gallina a la persona más creyente, y a la más, aparentemente, insensible.

Acosados por lo insoportable de la mera existencia, van formando su propio camino; “No porque le temas a la larga noche, Dios va a existir” dicen en un momento, y efectivamente, los protagonistas están alejados de cualquier motivación inventada, viven la miseria que han creado con lo que el mundo les ha ofrecido, pero con una sinceridad que sólo se logra por medio del abandono y la anagnórisis; a pesar de todo, son lo que quieren. ¿Qué conviene más? ¿Vivir en una feliz mentira, o sobrevivir sin vendas en los ojos?

En la puesta resalta todo, se aplaude la decisión de la directora de utilizar profesionales en el tema para cada área; cuentan con música en vivo interpretada por Tomás Fernández Vázquez, que nos introduce, de acuerdo a su poética específica, en una atmósfera oscura y llena de melancolía; la iluminación, oscura pero llena de significado, fue ingeniosamente diseñada y realizada, por Carlos Pacheco Pizarro, ingresándonos, discretamente, en un sopor que nos lleva, no sólo a lo más recóndito del alma de la obra, sino a los lugares más escondidos de nuestros propios corazones. La escenografía, a cargo de Eugenia Labaqui, está cuidada hasta en el más mínimo detalle, llena de metáforas, de forma que, por sí misma, podría ser una instalación y ser observada como una obra independiente del montaje, pero que en el mismo, acompaña perfectamente a todos los demás elementos, y encima cuenta con un artilugio de extraños poderes, que aumenta el ambiente nostálgico tan bien logrado del montaje: una valija que perteneció al propio Sbarra, utilizada como “camerino” por el personaje masculino en su transformación a fémina, los objetos reales en esta realidad inventada en la que vivimos, le dan un poquito de sentido a la vida.

Contando con un equipo de creadores jóvenes, que empiezan a dedicarse profesionalmente a lo que los apasiona, después de haber estudiado una carrera relacionada a las artes que les competen, “Los pro y los contra de hacer dedo” no tiene nada que envidiarle a los montajes de los creadores que llevan la vida entera y un siglo, en el medio; demostrándonos que lo que se hace con pasión y amor, saliendo desde el fondo del corazón, porque este te exige decirlo y compartirlo, es la única forma de hacer arte.